聊聊现实主义题材纪录片、Vlog的音乐剪辑

以前以为牛逼的创作人就是形成了自己风格的人，后来读一篇黄岳泰的采访，他说他的风格就是没有风格，当时不懂，后来慢慢悟出点味道来。

导演可能有自己的风格，但是摄影师需要有无数种风格，可以满足无数导演无数影片的需要。因为风格太多了，甚至多数风格都是在新的创作中形成的，所以别人看起来，就没了风格。就像武侠里的剑客，要学会所有剑法，然后才能无招胜有招。

剪辑师同样如此，“看不见的剪辑”除了技术层面的意义，在艺术风格上，同样要让人看不见。

但是剪辑师是创作的参与者，当然会在作品中有自己的理解。虽然没有风格，但因为不同人、甚至一个人不同阶段，对影音语言的理解不同，也会有不同的个人特征。

我现在的剪辑，和往年的剪辑，能看出明显的不同，跟别人的剪辑也会有不同。这里我把我现阶段对现实题材影片中声音剪辑的理解写下来，希望来年在看到本篇文章，我会嘲笑我此刻的幼稚。

这里不说其他类型，仅仅说的是现实题材的纪录片，因为我自己做vlog也是按短的现实题材纪录片做的，所以也算在内。

1、开场，用环境音将观众带入到空间中。

我也是近来慢慢开始理解影片中的空间，才多悟出来一点味道。

我暂时没有系统研究过现实题材影片都是怎么开场的，但是我个人绝对讨厌那种伴随着音乐的快切、特效包装绚烂的片头等等，我喜欢那种“人物——空间”的简单关系。

影片的开头不要奢望和观众建立情感上的联系，首先应该是把观众带入到影片的空间中来。只有观众进入到影片的空间中，信服了这个由画面和声音架构的“现实空间”，才有可能信服人物，才会愿意和人物产生情感上的链接，最后，才能被人物打动。

一开始没把影片的空间处理好，没有让这个空间立体、现实、充满魅力，没让观众接受这个空间并信服这个空间，上来就用音乐煽情的做法简直是愚蠢，所以我剪辑时候，喜欢用现场声把观众带入到某个空间中。

在剪辑纪录片《碧血千秋》的时候，一开始我尝试了很多种开场镜头，后来我比较喜欢的镜头是：

暴雨过后河水湍急流淌的声音、雨后出来觅食的鸟的声音、农户养的鸭子的声音、桥上人走路的声音、雨点打到伞上的声音，然后画面渐入，远山下，桥对岸，一个当地老乡打着伞过来，告诉观众这里埋葬了三千多人……

我喜欢这样的开场，“清明时节雨纷纷”，雨天的祭奠，总能多出些“欲断魂”的味道。湍急的河水也是某种大环境的隐喻，祭奠者（同时也是纪录片的摄制者）跨过这条湍急的河流前去寻访。没有“借问酒家何处有”的问句，也没有“这里是哪里”、“毁掉的陵园在哪里”之类的询问，直接给出老乡的回答，隐去问句留了个小钩子（悬念）。

这样的开头是希望让观众进入到影片的这个空间里，和拍摄者一起在“雨中寻访和祭奠”。这里，任何的音乐都是多余的，都将成为干扰。而只有通过现场的环境声，才能将观众带入进来。

另外一个我喜欢的开头是一个vlog的开头，这片子其实非常不完整，因为当时光顾着玩，并没有拍多少素材，回来剪辑时候串联不出来主题，成了一个很散的片子，但是并不妨碍我喜欢那个片头：

片头是一个老人，端着碗，坐在大门边屋檐下，一边吃饭，一边望着远方。这个画面太有意思了，无比巨大的老房子，老人独自生活，吃饭时候只有自己一个人，于是连桌子都舍弃了，甚至连餐厅也舍弃了，背靠着房子，眺望着远山，默默吃着饭，老人心里在想什么呢？远方的子女？待清扫的猪圈？门前晾晒的苞谷？不知道，可是她一定在某种情绪下想着某些心事，这，非常有意思。

我用了很淡的一点点音乐，但是老人咀嚼的声音很清晰。如果这个片子可以稍微长一点，不需要因为结构的关系铺这一层音乐，我很愿意只用咀嚼声。

没有其他声音，只有咀嚼的声音，我想要那种老人孤独的“默默”吃饭的惆怅。

2、人物的进场和转场。

跟随前辈蒋老师拍片的时候，他反复跟我强调要拍好人物进入场景的镜头。而我在剪辑里反复尝试，发现人物在影片中进入一个空间，和这个空间发生关系的时候，让音乐没有或者淡化,利用环境声让空间更加真实，很重要。

《贾樟柯：如何拍摄制作纪录片》：
如果国外同行看我们，他们会很吃惊，因为中国现在的纪录片几乎都不混音，直接把同期声剪接好就完了。像法国的电影学院，要求学生在声音剪接时就要有一个设计，不管是纪录片还是故事片，特别是纪录片更需要声音设计。它要求学生最少有六股声音，就是在一个空间里面你能听到六个声音。比如这个空间里面，我们现在在交流，我讲的话是第一个声音；第二个是笔划纸的声音；我们旁边可能是一个马路，所以第三个是窗外传来的马路上的声音；第四个，如果是夜晚的话，日光灯的声音也要加上来；第五股声音可能是走廊里的人走来走去的声音；而第六个声音可能是音乐。把这个空间的魅力展示出来可能需要六股声音。但这只是一种期待，只是为了保持一个主题，而现在只有我说话的声音是清楚的，其他声音表现得并不太清楚甚至没有，但是呈现在屏幕上的时候，可能就有六种声音。当然这些所谓声音设计，就是说在这个空间里面，我觉得要有这六种声音才有现实感，才有魅力。

然后就是混音的过程，要看哪个声音高，哪个声音低。可能最主要的是我说话的声音，我还觉得马路上的声音也挺有表现力的，可以表现出一群人很奢侈，坐在那儿还能谈艺术，而底下车水马龙，人们各自奔走解决自己的生活问题。而日光灯的声音则会低一点，甚至是似有似无的。后期可以用很长时间慢慢地做声音设计的工作，设计完之后找录音师帮着把声音混出来。

有条件的话，你不能说我就不用，认为录到什么就是什么那才是记录，这就有点抬杠。有时候把某个空间的部分改变一下效果是非常好的。比如说素材里有一幕可以处理成下课了，大家谈得很带劲，那怎么处理这个空间呢？可能我只要三个人走来走去就行了，但如果去一个中学录一点下课后的声音，这个空间的时间性就改变了，它就变成是下课之后大家还在谈，感情上理解就不一样了，增加了现场的气氛。

声音的表现力太重要了，比如说一个瓶子我放下来，如果没有声音的话，它的重量和质感就表现不出来。最极端的方法是带着同期声剪辑，因为有些导演更强调声音。比如说日本很出色的导演黑泽明，他坚持剪片子不带声音剪，真的是只看画面当默片来剪。他觉得电影的文学性即电影的叙事性不依赖语言，而是依赖视觉本身的讲述，我觉得这个是很对的。另一方面，当影像剪完之后，为了不被现场声音影响，他要去想象声音，他要根据影像设计声音，设计完了之后把同期声放出来，对比同期声和他的设计。比如外面楼道里一个人走来走去，不放同期声，他就想应该加什么东西，所以拿掉同期声剪接反而是更强调声音设计的了。这种方法是特别有启发的。我建议大家多看些默片，电影原始的默片是特别精彩的。

3、什么时候用音乐？

在纪实题材的片子里，音乐到底是起什么作用的？

现在的很多片子，音乐被用滥了，有的片子从头到尾是音乐。故事片另说，但是纪录片，我个人不喜欢音乐。

其实很多纪录电影，从头到尾都是没有音乐的。慎用音乐，不是因为音乐没用，而是因为音乐太有用了。拥有如此强大力量的工具，当然要用得小气一些。

只在最关键的点，用音乐推上一推。背景音乐基本没有传达什么信息，更重要的是传达情感。

我们经常说剪辑师在剪辑的时候，应该是情感第一，故事、细节等都是排在后面的。而情感的处理，在一部长片的剪辑中，我的办法是：

累积——累积——累积——宣泄——新的累积——累积——累积——宣泄——再次累积……如此反复。

用画面、音效所传达的信息不断去累积情感，千万不要在累积的过程中把这口憋着的气泄掉了，不能过早把情感揭示出来，而是在累积到一定程度的时候，给观众一个宣泄口。而在这个口子，给点背景音乐，把情感稍微推上一推。

当然，这些情感的爆点时刻，不给音乐也是可以的。这取决于剪辑师的选择，当然也取决于导演的选择。

纪录片也是要讲故事的，除了情感的宣泄口，也有一些叙事的爆燃时刻，也就是信息密度的炸裂时刻，在这种时刻拿掉音乐，甚至拿掉所有音效，尽可能减少所有干扰，让观众将注意力集中到信息中来。

还有另外一种用法，就是用音效来“编曲”！

在这个vlog中我做来一次尝试，就是剪枝那部分，通过节奏的突然变快、景别的变小，还有“剪断”的音效来做的节奏。

关于这种编曲式的节奏剪辑，我也在摸索学习。声音虽然有混音师专门来完成，但是剪辑师如果有一些编曲的基础知识，还是可以做出很酷炫的剪辑的。

4、音乐的节制

音乐的节制，除了上面说的慎重、少用以外，在使用的时候，也要节制再节制。

以前我用音乐，只会考虑到音量标准化，一段音乐用上来，除了台词让位，给重要音效让位，就基本上是同样的电平值，直到不需要音乐为止。

湖北省广电总厅的方老师教了我一个技巧：音乐起，然后紧接着慢慢弱下去。

人的情感被触动，一定是一个点，一个时刻，一个瞬间，很少是一个持续的被触动的过程。情感这东西，也是一鼓作气、再而衰、三而竭的，所以让音乐推一下，让情感“爆”一下，然后就渐渐弱化。

另外的一个处理方式是，音乐起的时候也非常非常弱，且用环境声遮掩，尽可能的让观众注意不到，然后慢慢起来，不知不觉地推动观众的情绪积累，然后“爆”掉。

5、现场音乐的使用

在纪录片拍摄的时候，有时候拍摄现场本身有音乐，被录制了进来，这种音乐，我个人超级喜欢的，几乎每次碰上都要使用。

这种现场的音乐包含丰富的信息，比如音乐的年代暴露人物的年纪，音乐的品味暴露人物的教育背景，等等。

在剪辑《碧血千秋》时候，胡琏的指挥部旧址里，响起来农民用二胡拉出的不成调的《三大纪律八项注意》，随后沙哑的二胡声里，一行人在荒山野岭中寻找胡琏祭天的旧庙。在新建的烈士陵园开幕式，现场音响里传出来洪亮的红歌。在这些音乐里，我想要给观众的，是时空交织下的百感交集。