电影有的时候是很短命的,不是故事短命,而是影像短命。
如《了不起的盖茨比》前后翻拍五次,故事还是那个故事,但是影像了。
技术手段是进步的,灯光、镜头等语言也是进步的,不同的年代有不同的影像特点。
三四十年代影像特点:
- 演员表演做作(安按:舞台剧式的表演)
- 不注意光源方向
- 女演员低反差打光,男演员高反差
- 五光(主光、副光、轮廓光、修饰光、眼神光)俱全,且较为夸张
演员脸上的光和窗子进来的光(现场光源)没有关系。
男演员脸上光的反差较高,而女演员脸上光的反差较低。这是那个年代的打光规范。
造型比较做作。
打光的痕迹特别重。为了让墙上看上不不平,特意将水壶和人的影子打到了墙上。
五十年代影像特点:
- 灯光没有那么细致
- 演员表演状态是松弛的
- 打光棚味十足
外景打光不是特别明显,已经在进步。
内景打光很明显的棚味。如太阳的影子是多重的,阴影没有反差等。
六十年代影像特点:
- 人物和现场光源发生关系。
- 拍摄外景时,开始用副光(补光)来进行造型。
- 内景打光时候,基本遵循光源的方向。
- 构图打破规则。
以前胶片感光低,现场灯不足以让胶片感光,只能作为道具使用,但在《西区故事》中,吊灯既是道具,也能照明,它的光和人物发生了关系。
这个外景太阳的光线是从左往右的,但是摄影师在户外使用灯光补暗部照度时,并不是为了减小反差,而是使用灯光进行造型,让人物显得更加立体。
窗户来的光和主光方向一致。但是依然不完善,如地上的影子依然很多,露馅了。
1966年《雌雄大盗》,这一部影片是根据真实故事改编,为了凸显真实性,打光上也力求真实,当时受到很多摄影师的追捧。
在之前,画面正中心有一个洞是非常忌讳的,要求遵循左右平衡、三分等构图规则。但哪怕中间有一个洞,但是画面依然是真实的,不会看着不舒服。一切都不能变,就不是艺术了。规则是可以打破的。没有变化,就没有魅力了。
七十年代影像特点:
摄影师用光是非常讲究风格,讲求统一。
生活当中顶光是少的,但这部电影以顶光为主,形成一些列视觉惯例。比如这里牧师一束顶光,暗补是手上本子反射的阳光,使得画面非常生动,且主题突出。
拍摄外景时候大量用蝴蝶布柔化阳光。
拍摄内景时候,用电光源打到天花板,在天花板上用黑布围成圈,不仅使得点光源变成面,且使得天花板反射下来的光线具有方向,照亮人物的同时不会照亮背景。这种打光方式被学习和沿用下来,并发明了一种专门的打光工具——太空灯。
八十年代影像特点:
光源方向明确,层次分明。
现场的灯既是道具,也是照明光源。特别地走向了真是与自然。
《九周半》:
这是一个广告导演配一个广告摄影师拍摄的。
广告向电影学习,又反过来影响到电影拍摄。广告摄影师把很多广告的打光方法带入到电影中。
根据光的衰变的原理,离光源越近,衰变越明显,以前的摄影师却不知道这一物理原理。《九周半》的这一张剧照中,十公分的距离,都能够看出光线的变化来,这是跟广告精拍一些小东西分不开的。
广告中的一些打光方式,专门发明的灯具,被电影引入。
直射光和散射光的混合运用:整个画面在阴影中,一束光打到人脸上,使得人特别突出。
这张图,有一个冰箱的面,它没有给冰箱打光,靠的是反光,包括人物的轮廓背景。这个光影气氛反差、反光、投影、光束,都非常吸引人。这个变化是跟广告分不开的,广告特别注意光影氛围,注意画面本身的魅力。
《末代皇帝》:
摄影师斯特拉罗,导演是贝托鲁奇。
用光线来组织画面,结构画面,画面展现的一切都靠光来完成。
用一个大功率镝灯模拟阳光,用黑旗遮挡,让光线射到人身上,而不射到人脸上。脸上的光也不使用副光,而是靠自然反光。背上的光反射到脸上,打到墙上的光控制了暗部。头上有漏了一点光,反而最重要的部分,人脸的部分,把光线挡住了。
九十年代影像特点:
大功率镝灯已经非常普遍,外景拍摄打灯已经非常成熟。
注意这里前景轮廓光弱,后景轮廓光强。有自然光,也有大量人为光、挡光,各种号的灯光纸,等等。
窗户光源、人脸主光效果,真实自然、主题突出、层次丰富。
真实与表现完美结合,不漏痕迹。
屋檐下人物近景。
2000年代影像特点:
除了真实、自然、用光作画等等概念都有的基础上,特别的讲究气氛,营造氛围。不同的空间环境用不同的气氛,相同的空间环境有多种气氛产生。
气氛是电影造型中的重要手段!
充分利用了光线的反弹。严格控制了光线的入射角和反射角,以及桌面反光的反光率,光线打到桌上,反射到人脸上,人脸上的光线还能分出明暗来。
2010年代影像特点:
高科技融入到电影中,CG、特效合成等等。
进入数字时代。
HDR技术的运用,宽容度大幅增长,亮部、暗部的层次,超越了胶片。
三维和实拍相结合,光源的方向、层次等等,让观众无法分辨真假。
光线真实自然,但不追求唯美,整部影片使用广角镜头拍摄。
风格朴实,真实自然。
头盔反射利用360的led灯,太空悬浮效果等等。
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